Inexplicablemente, a estas alturas de la historia nos queda aún mucho por descubrir de la relación de dos grandes artistas, llenos de afinidades y admiración el uno por el otro. Un modisto y un pintor, la admiración y la ayuda mutua. Y una mujer. Todo eso y algo más explora "Gala/Dalí/Dior. De arte y moda", porque los vestidos son obras de arte igual que los cuadros.

Justo cuando empezó el estado de alarma, el Castillo de Púbol tenía previsto inaugurar esta maravillosa exposición con la que la Fundació Gala-Salvador Dalí se centra en la fascinante relación que Dalí mantuvo a lo largo de su vida con el mundo del diseño y la moda.

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El Castillo de Púbol era la casa de Gala. Salvador Dalí se lo compró en ruinas y lo restauró a su surrealista manera como regalo. Ella aceptó el presente con una condición: únicamente podría visitarla con una invitación por escrito, así eran los juegos entre ambos. En la cripta está Gala enterrada, con una sencilla mortaja blanca, aunque el pintor **quería enterrarla con el Dior rojo que figura ahí arriba. Éste es sólo un ejemplo más de esta suerte de trío que da nombre a la exposición.

Arte y moda se entrelazan en la exposición para sumir al espectador en este imaginario compartido a través de una cuidada selección de obra del artista, diseños de Dior y materiales procedentes del fondo de la Fundació Dalí y de Christian Dior Couture, con quien se ha iniciado una intensa colaboración. Entre las piezas estrella, se presentan tres modelos de la Maison Dior que pertenecieron a Gala, dos de los cuales nunca se habían expuesto en Púbol.

La exposición se estructura en tres partes:

• Pasión por el arte - donde se exploran los primeros contactos de Gala y Dalí con Christian Dior que tienen lugar en París a comienzos de la década de los treinta, cuando el artista trata de labrarse un nombre. Entre 1931 y 1933, Dalí expone sus creaciones en la pequeña galería de Pierre Colle que cuenta con Christian Dior como socio. Entre las distintas pinturas, dibujos y objetos de época surrealista que se muestran, destacan el óleo de Salvador Dalí 'Comienzo automático de un retrato de Gala'.

• El reino de la moda - El 12 de febrero de 1947, Christian Dior revoluciona la moda y la estética femenina con la presentación de su primera colección. Gala enseguida intuye en el estilo de la Maison Dior una oportunidad para forjar y embellecer su propia imagen y muchos conjuntos del modisto pasan a formar parte de su colección y los luce con Dalí en momentos importantes.

• El baile del siglo - El 3 de septiembre de 1951 se celebra en Venecia el llamado 'El Baile del Siglo': Aristócratas, actores de cine, socialités, artistas y diseñadores de moda lucen disfraces creados para la ocasión. Entre ellos destacan los gigantes concebidos por Salvador Dalí y Christian Dior, con la mediación de Gala y la intervención de Pierre Cardin.

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De las alfombras rojas y pasarelas al museo: 70 años de Christian Dior en el Museo de Artes Decorativas de París

¿Os hemos puesto los dientes largos? La exposición estará abierta hasta el 6 de enero de 2021 y transcurre en la excepcional terraza del palacio. Si ves difícil acercarte puedes echarle un vistazo a todo en el catálogo que está publicado en línea en cuatro idiomas (catalán, castellano, inglés y francés) y que puede descargarse de forma gratuita a través del web.

Vía y Fotos | Fundación Gala-Salvador Dalí

La terrible atracción que ejerce el mundo de la moda hoy en día, la unión entre diseño y arte, con una línea muy fina que a veces es inexistente. Un diseño de un zapato que va más allá y se convierte en una pura expresión artística. Todas estas locuras y divagaciones se pueden decir antes de invitaros a visitar Christian Louboutin, L'Exhibition[niste]: la exposición que demuestra que son algo más que zapatos.

La exposición de el Palais de la Porte Dorée de París está diseñada como una invitación a descubrir el rico universo de Christian Louboutin, explorando cada faceta de su trabajo y en una institución que ha inspirado muchísimo su vocación.

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Las creaciones de Cristobal Balenciaga entran en el Museo Thyssen con los cuadros que lo inspiraron

Desde sus inicios como creador Christian Louboutin le imprimió a sus diseños una gran cantidad de colores y dibujos inspirados en su amor por el arte y las diferentes culturas. En su creatividad se puede adivinar su pasión por los viajes y hay múltiples referencias claras a la cultura pop, el teatro, la danza, la literatura y el cine.

La exposición, que lleva abierta desde el 26 de febrero, muestra las inspiraciones y procesos creativos del diseñador y presenta una selección de algunos de sus mejores trabajos salidos directamente de su colección personal o de préstamos de colecciones públicas. Gran parte de la selección de zapatos que se exhiben no han sido enseñados nunca. Estas piezas históricas y artísticas están acompañadas de piezas exclusivas creadas como un tributo a Christian Louboutin: unas vidrieras diseñadas por Maison du Vitrail, un palanquín de plata sevillana y un cabaret esculpido en Bután.

Decíamos que Louboutin estuvo y está influenciado por el Palais de la Porte Dorée. Como parisino nacido en el Distrito 12 lo vivió de cerca y creció admirando su belleza arquitectónica y la riqueza de ornamentos de la institución. En sus primeros diseños tomó prestadas muchas de las formas y motivos del Palacio. El diseño de su Maquereau (hecho de cuero metálico) está inspirado en la iridiscencia de los peces del acuario tropical del edificio.

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El arte de Manolo Blahnik llega a Madrid en forma de exposición

La exposición estará abierta hasta el 26 de julio y las entradas cuestan entre 9€ y 12€ e incluye también visita al museo completo y al acuario. Los organizadores aconsejan que se compren las entradas con antelación, ya que en el día no hay demasiadas disponibles. Es, desde luego, una exposición que no debemos perdernos.

Vía e Imágenes | Palais de la Porte Dorée y Christian Louboutin

Hay ciudades que se reinventan a cada paso, de modo tal sus zonas van cogiendo auge y (casi) perdiéndolo alternativamente. La gente joven y los diseñadores emergentes toman un lugar y lo remodelan, le dan un aire y en un instante se convierte en el lugar a visitar, de manera que nunca te puedes aburrir de esa ciudad. Eso pasa con Londres, que tiene un nuevo barrio de moda: el N1C.

Para los profanos en la nomenclatura utilizada en los códigos postales de Londres, N1C es el nuevo código que se le ha asignado a toda la zona de King's Cross, y se está convirtiendo en el nuevo lugar de peregrinaje de la ciudad porque no le falta de nada.

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Londres es el destino favorito de los Travelers' Choice Awards 2019

King's Cross St. Pancras. El punto de llegada y salida

La estación de metro y tren de King's Cross Saint Pancras es uno de los puntos neurálgicos del transporte de Londres, ya sea para hacer cambios de metros, de trenes que te lleven a las afueras o para aventurarte más allá del mar y coger el tren que cruza el Eurotunel hasta París. Desde ahí lo tienes a tu alcance sin coger un avión o un barco, de manera que decidas que quieres desayunar y cenar en Londres pero pasear durante el día y comer en la ciudad del Sena.

Es también un lugar de peregrinaje para los fans de Harry Potter, con sus disfraces o sin ellos, niños y mayores, que hacen cola religiosamente para poder sacarse su foto empujando el carrito de estación que está incrustado en la pared del Andén 9 y 3/4. Y sí, no lo neguéis, los que os habéis ido a sacar la foto (yo la primera) habéis soñado con atravesar esa pared de ladrillo y aparecer delante del Hogwarts Express.

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St. Paul's Church, la iglesia de los actores en Covent Garden

St. Pancras Old Church y su Hardy Tree

Testigo del paso del tiempo es la Saint Pancras Old Church, que no debemos confundir con Saint Pancras Church con sus cariátides en un lateral. La vieja iglesia lleva siendo testigo del barrio desde sus orígenes medievales, pero lo más destacable es su jardín cementerio, donde hay que admirar con asombro el Hardy Tree, un fresno de porte fantasmagórico con sus raíces cubiertas de lápidas. Allí siguen desde que las colocó el escritor (y antes arquitecto) Thomas Hardy en la década de 1860. La colocación de las vías de la cercana estación hizo que hubiera que trasladar parte de las tumbas del cementerio.

Coal Drops Yard, el centro comercial de moda

No hay zona de moda sin zona comercial donde dejarse todo el dinero y disfrutar de una tarde de consumismo. Inaugurado en octubre de 2018, Coal Drops Yard es un lugar lleno de historia que está viviendo una esplendorosa segunda vida: hasta aquí llegaban a mediados del XIX los trenes con las toneladas de carbón que se extraían en el norte de Inglaterra y que abastecían a toda la ciudad. En 1990, casi abandonados los edificios victorianos se convirtieron en escenario de 'raves' ilegales y epicentro de la noche londinense, tan de moda que hasta los Rolling Stones o Madonna rodaron allí.

Ahora mismo, los dos edificios de ladrillo y hierro están unidos con tejados ondulados cubiertos de pizarra, producto de una remodelación de Thomas Heatherwick (autor de The Vessel). En sus arcos hay casi 50 comercios llenos de nuevas creaciones, cosmética, velas artesanas, gafas de diseño hechas a medida, muebles originales y firmas de lujo. También hay lugar para los talleres, las exposiciones o la comida.

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Un recorrido supercalifragilisticoespialidoso por el Londres de Mary Poppins

Granary Square

Uno de los puntos centrales de toda la regeneración del barrio es Granary Square, que desde 2011 tiene la sede de la escuela de moda Central Saint Martins. Allí, en lo que era una amplia plaza aburrida delante de unos edificios industriales está la gran instalación de fuentes de colores que se ha convertido en toda una atracción: 1080 chorros coreografiados que se convierten en alivio los días de calor y que usando la aplicación Granary Squirt pueden ser controlados desde tu móvil entre las 16.00 y las 17.00 horas. Al caer la tarde se convierte en un espectáculo de luz y color.

También si no es suficiente el agua de los chorros puedes pasear por el Regent's Canal (no te aconsejamos bañarte, pero sí puedes ir en barca) disfrutando de las barcazas y haciendo una pequeña parada en la World on the Water, la librería flotante instalada en una embarcación de 1920 llena de libros y actividades musicales y culturales.

La oferta gastronómica está bien cubierta

Además de la oferta que puedes encontrar en Coal Drops Yard hay otros dos puntos que se convierten en el objetivo de aquellos que buscan gastronomía y unos buenos tragos:

• El mercado de KERB, donde de miércoles a viernes un puñado de puestos callejeros y food trucks van rotando en Granary Square (da para todo) del 12.00 a 14.00
• Canopy Market se ocupa de cubrir el fin de semana y de viernes a domingo, en este mercadillo cubierto hay puestos de ostras, cheese sandwiches o cervezas artesanas para reponerte de las compras que puedes hacer en los puestos donde se vende artesanía y joyas vintage

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St. Dunstan in the East, el remanso de paz en plena City londinense

Lewis Cubitt Park y Grasholder Park

También hay zonas verdes, destacando el césped circular de Grasholder Park, que está rodeado de la estructura de un antiguo gasómetro victoriano y una instalación de espejos que resulta hipnótica. En Lewis Cubitt Park lo más destacable es el Skip Garden (de martes a sábado de 10.00 a 16.00), un jardín comunitario donde hay talleres de cerámica, cursos de yoga, un café vegetariano que solo ofrece productos orgánicos y un jardín comunitario en el que cultivan frutas y verduras. A estos dos habrá que añadir en 2020 la reapertura de Camley Street, con su mirador flotante.

También tiene museos

• El London Canal Museum, situado a las orillas del Regent Canal explica la historia de las vías fluviales de la ciudad: barcas, canales, edificios, historias, fotografía, nada falta en este peculiar museo que se sale un poco de los más visitados cuando vas a Londres pero que te ayuda a entender muchas cosas de cómo entraban las mercancías en la ciudad, de cómo se desplazaban las barcazas y cómo se vivía en las mismas.

• House of Illustration tal y como su nombre indica es un museo dedicado a la ilustración y las artes gráficas fundado por el mítico dibujante británico Quentin Blake en 2014. Está en la misma Granary Square y es también un lugar muy agradable para visitar.

¿Todo esto que te hemos contado te parece súper interesante pero no quieres hacerlo por tu cuenta? No te preocupes que el King's Cross Visitor Center se encarga de todo y puedes unirte a uno de sus tours gratuítos en los que te contarán lo más importante.

Imágenes | David Skinner, Owls1867, taraghb, Matt Brown, Matt Kieffer, Canopy Market, Matt Brown, Kings Cross

Pintura y alta costura tienen mucho en común. Ambos creadores son artistas, con sus diferencias y por supuesto los maestros de la costura siempre se han fijado en los maestros del pincel. Nadie va a discutir la calidad de Cristobal Balenciaga como modisto y ahora sus creaciones entran en el Museo Thyssen-Bornemisza con los cuadros que lo inspiraron.

'Balenciaga y la pintura española' es la primera gran exposición dedicada al modisto vasco que se presenta en Madrid en casi 50 años y la primera que reúne, junto a sus diseños, una selección de cuadros de grandes nombres de la historia del arte español, una de sus principales fuentes de inspiración.

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Sorolla y la moda, una exposición única (y por partida doble) en Madrid

Zurbarán. Fray Francisco Zúmel, hacia 1628. Museo de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, Madrid

En el verano de 2019, el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza presenta esta maravillosa exposición que vincula la creación de Cristóbal Balenciaga, el diseñador de moda más admirado e influyente de todos los tiempos, con la tradición de la pintura española de los siglos XVI al XX. Los trajes salidos de la mente y la aguja del modisto al lado de los cuadros que dieron la idea inicial. Dos artes mano a mano.

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Los cuadros del Museo Thyssen se convierten en escenario de un videojuego

Vestido de noche, 1952. Cristóbal Balenciaga Museoa, Getaria

Zuloaga. Retrato de María del Rosario de Silva y Gurtubay, duquesa de Alba, 1921. Fundación Casa de Alba. Palacio de Liria, Madrid

Las referencias al arte y la cultura española siempre estuvieron presentes en el trabajo de Cristobal Balenciaga. Las líneas simples y minimalistas de los hábitos religiosos o los volúmenes arquitectónicos de los tejidos son una constante en muchas de sus creaciones. Una bata de cola de una bailadora flamenca es el origen de los volantes de muchos de sus vestidos, los bordados de un traje de luces de un torero terminaron convertidos en paillettes en una chaqueta. Vio, admiró y reinterpretó con maestría.

Conjunto de noche de abrigo y vestido. Abrigo de satén; vestido de etamina, lentejuelas y mostacillas. Perteneció a la Marquesa de Llanzol, Doña María Sonsoles de Icaza y de León. Cristobal Balenciaga Museoa. Getaria

Bartolomé González (copia de Antonio Moro). La Reina Ana de Austria, cuarta esposa de Felipe II. Hacia 1616. Museo Nacional del Prado. Madrid

La exposición se desarrolla con un itinerario cronológico a través de las pinturas, a las que acompañan los vestidos vinculados a cada estilo o pintor. Las conexiones están basadas en elementos conceptuales, en formas y volúmenes, en coincidencias cromáticas, que dan lugar a un fascinante diálogo entre moda y pintura, entre la creatividad de Balenciaga y la fuente de la que bebió. También es una manera de admirar a los pintores de la época como creadores y transmisores de moda, maestros de la representación de tejidos, texturas, pliegues y volúmenes.

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La elegancia del Art Decó inunda Madrid de la mano de Tamara de Lempicka

Vestido de novia, 1957. Chantung de seda bordado con hilos de plata. Cristobal Balenciaga Museoa, Getaria

Rodrigo de Villandrando. Isabel de Borbón, esposa de Felipe IV, hacia 1620. Museo Nacional del Prado, Madrid

La muestra está comisariada por Eloy Martínez de la Pera y cuenta con un total de 90 piezas de indumentaria procedentes del Cristobal Balenciaga Museoa de Getaria, el Museo del Traje de Madrid y el Museu del Disseny de Barcelona, así como piezas de colecciones particulares tanto nacionales como internacionales. En lo referente a las pinturas, se ha logrado reunir un excepcional conjunto de 55 cuadros prestados por museos de ámbito nacional como el Museo Nacional de Prado, fundaciones como la Casa de Alba o colecciones privadas como las pertenecientes a Abelló y Alicia Koplowitz.

La exposición estará abierta del 18 de junio al 22 de septiembre de 2019 y se pueden comprar las entradas anticipadamente, con precios que oscilarán entre los 13€ y los 9€, siendo gratuita para menores de 18 años, ciudadanos en situación legal de desempleo, personas con discapacidad, familias numerosas, personal docente en activo y titulares del Carné Joven y Carné Joven Europeo. Por supuesto, toda la información a mayores, aquí.

Fue una de las citas que nos trajo el primer Madrid Design Festival, pero hasta mayo tendremos oportunidad de visitar esta interesante exposición. El Museo Sorolla y el Museo Thyssen acogen en Madrid "Sorolla y la moda", que pretende mostrar las relaciones entre la pintura del autor valenciano y la moda de los años 1890 a 1920.

En la muestra se podrán ver pinturas procedentes de museos y colecciones privadas junto a un destacado conjunto de vestidos y complementos de época que parecen salir de los cuadros para cobrar vida junto a ellos.

"Sorolla y la moda" reúne más de setenta pinturas, algunas de ellas nunca expuestas públicamente, y junto a los trajes y complementos venidos de los museos más importantes del mundo se ofrece una visión completa y enriquecedora de la exposición, complementándose con la visita a ambos museos.

Los referentes sociales de Sorolla y de su mujer, Clotilde García del Castillo, son decisivos para valorar la evolución e importancia que adquiere la imagen en el entorno de la familia Sorolla.

El papel del artista como retratista de sociedad, junto a su afán observador y su genuino interés por todo lo que le rodeaba, permite obtener en su obra un magnífico retrato de la moda y su evolución en aquellos primeros años del siglo XX.

En el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza la exposición se desarrolla en cuatro secciones:

• Sorolla íntimo. El primer capítulo, dedicado al ámbito familiar del pintor, muestra diferentes aspectos de su vida cotidiana. Algunas obras que se pueden ver son Clotilde con traje negro (1906), del Metropolitan Museum of Art (Nueva York), junto a un traje (hacia 1900) del Musée des Arts Décoratifs de París, o Clotilde vestida de blanco (1902), de la Hispanic Society of America (Nueva York), y un vestido de ceremonia (hacia 1907) de la colección Ana González-Moro.

• El retrato de sociedad. Sorolla recibe numerosos encargos para retratar a personajes de la alta sociedad de su época. La Reina Victoria Eugenia (1911), de la Hispanic Society of America, y un vestido de baile de Charles F. Worth (hacia 1896) de la colección Francisco Zambrana, o el Retrato de María Lorente (1905), de una colección privada, y un traje de novia (1907) de Antonia Montesinos del Museo del Traje de Madrid, son ejemplos de ello.

• El veraneo elegante. En la segunda mitad del siglo XIX se descubren los efectos terapéuticos de los baños de mar. Zarautz, Santander, San Sebastián, la Costa Brava o las playas de Levante empiezan a ser populares entre los primeros veraneantes españoles. La moda está también presente en estos escenarios y Sorolla refleja magistralmente este aspecto en retratos realizados junto al mar como Clotilde en la playa (1904), del Museo Sorolla, expuesto junto a un vestido de día (1904-1908) del Victoria and Albert Museum de Londres, o Bajo el toldo, Zarautz (1910), del Saint Louis Art Museum, junto a una blusa blanca y falda (hacia 1900) del Centre de Documentació i Museu Tèxtil de Terrassa.

• París y la vida moderna. Aquí aparecen las nuevas costumbres de ocio: los cafés, los paseos urbanos, el teatro y la ópera..., son lugares que llaman la atención de Sorolla en sus frecuentes viajes a París. Con una creación de Fortuny, el mítico vestido Delphos, retrata a su hija en Elena con túnica amarilla (1909), de una colección privada.

En el Museo Sorolla, la exposición se adapta a los espacios de la casa, que conserva prácticamente intactos su ambiente original y todo su mobiliario. Haciendo un recorrido por la muestra se pueden apreciar los siguientes temas:  * Una casa a la moda. El museo guarda, entre sus colecciones de pintura, numerosos retratos de la propia familia Sorolla, entre los muebles y objetos que el mismo pintor escogió.

• El retrato de sociedad. Esta sección contiene diversos tipos de retrato de encargo, desde los de mayor compromiso, como pueda ser el de la reina María Cristina, al más desenfadado, como La bella Raquel (hacia 1912). Los retratos más tradicionales, en traje de fiesta o de noche, contrastan con los más modernos y sobrios vestidos negros.

• Una familia elegante. Centrada en Clotilde, la mujer de Sorolla, y en sus dos hijas, María y Elena, que fueron elegantes modelos y siempre a la moda para el pintor.

• Un Fortuny escondido. Por último, el visitante desemboca nuevamente en el ambiente original del comedor familiar. Allí, en un friso podemos ver el retrato de la pequeña Elena con un diseño dorado de Fortuny, el vestido Delfos.

La exposición "Sorolla y la moda" podrá verse en Madrid hasta el 27 de mayo de 2018. Os dejamos con un vídeo que nos aproxima a Sorolla como gran cronista de la moda en su época, a través de sus fabulosas pinturas, especialmente con los retratos femeninos que el pintor realizó entre los años 1890 y 1920.

Vídeo | Vimeo
Sitio Oficial | Museo Thyssen, Museo Sorolla
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Que Portugal es el país más de moda de Europa es algo que os venimos diciendo a gritos desde hace tiempo, ya sea a través de nuestros consejos o a través de los premios turísticos que recibe, y como no hay país de moda, ni ciudad de moda sin un barrio de moda, hoy toca hablar de Miguel Bombarda, la calle con más arte de Oporto.

La Rua Miguel Bombarda son 650 metros en los que se aglutina la mayor parte de la oferta cultural, gastronómica y sobre todo artística de Oporto. La vanguardia de la ciudad y casi del país están en cada adoquín, en cada pared y detrás de cada puerta.

La calle del arte

Vamos a desvelar una de las razones por las que Miguel Bombarda es la calle con más arte de todo Oporto: es la calle con más galerías de arte de toda Europa. Ni más ni menos que veinte, que es una cifra muy muy alta. Por ejemplo, una de las favoritas de todo el mundo es Ó! Galeria, donde puedes encontrar lo mejor de la ilustración portuguesa a precios muy asequibles y justos. Lo único que necesitas es paciencia y estar dispuesto a gastar dinero. Pero es que también están Arthobler, Serpente, Trindade, Presença, Quadrado Azul o Artes Solar Santo António. Hay un amplio repertorio de sitios a elegir.

Y el arte en la calle

Pero en Miguel Bombarda el arte no sólo está tras las puertas de las galerías, sino que lo puedes encontrar en cada una de las paredes en las que hay un espectacular grafitti, como este tan icónico de Don Quijote y Sancho Panza, que lleva desde 2014 recibiendo a la gente con sus colores sepias.

Pero no sólo son dibujos en las paredes, sino que se convierten en arte vivo al combinarlos con especies vegetales. Un grafitti de un hipster barbudo es más arte si la barba está hecha de hierba, si está viva.

Gastronomía y diversión

Tenemos arte en el interior y arte en el exterior, pero no hay barrio o calle de moda en todo el mundo que no vaya ligado a la hostelería también. Si pones un pie en Miguel Bombarda tienes una parada obligada en la casa del té, en Rota do Cha, un precioso edificio de tres plantas en el que hay tetería, restaurante y tienda, con ambientes diferenciados y un aspecto entre romántico y colonial en el que si te gusta el té no querrás salir nunca. O por lo menos hasta que no pruebes la práctica mayoría de los 300 tés que tienen.

También hay lugar para la gastronomía típica como las francesinhas o la reinvención del bacalao en Bugo, o las tartas en Pimenta Rosa, que está en el jardín del Centro Comercial Miguel Bombarda.

La música se disfruta en el Hard Club, que es un antiguo mercado de abastos con una programación repleta de «techno», rock y «hip hop». También te puedes pasar por la Casa da Música.

Alojamientos con encanto

Alojarse en Miguel Bombarda es hacerlo en el Gallery Hostel Porto, un edificio de 1906 que sigue manteniendo ese espíritu de casa típica. En sus paredes se expone arte que embellece más aún el edificio y en su restaurante se sirve comida típica portuguesa. El otro alojamiento icónico en la calle de moda es la Pensao Favorita, que tiene muy poco de pensión y un mucho de hotel lleno de encanto.

Y compras

Terminamos con las compras, con esas tiendas en las que adquirir desde muebles a lámparas pasando por objetos de decoración que no sabías que necesitabas hasta que llegaste allí. Y ropa, porque si quieres ir a la moda en el barrio de moda es allí donde tienes que renovar tu vestuario.

Imágenes | Portuguese Summer, Ó Galeria, Gallery Hostel Porto, Pensao Favorita, Rota do Cha, Hard Club Porto, L*deLuz
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Las redes sociales se han convertido en una fuente de inspiración para muchas personas a la hora de decidir un destino de vacaciones. Los viajes de los influencers no solo sirven para dar envidia (sana), sino también para conocer los destinos más tendencia. A continuación, tienes los destinos favoritos entre fashionistas y foodies

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El portal Kayak.es ha analizado los destinos visitados por más de 200 influencers clave de Europa y ha elaborado una clasificación de las 10 ciudades y países de visita obligada para los foodies y fashionistas en 2018. No es nada sorprendente que en el top 3 de ciudades más populares entre los foodies y fashionistas europeos se encuentren París, Nueva York y Londres.

En el ranking de destinos más populares para los fashionistas tenemos ciudades como Milán (ideal para ir de compras), Los Ángeles (para comprar moda vintage) o destinos más exóticos como Dubái y Marrakech.

Mientras que en los destinos favoritos de los foodies podemos encontrar ciudades como Berlín, Roma, Lisboa o Florencia. Barcelona es la única ciudad española que aparece en ambos listados.

En cuanto a las preferencias de los influencers españoles, la lista de destinos favoritos es mucho más variada. Entre los foodies los destinos más populares son España, Portugal, Francia e Italia. Mientas que las fashonistas eligen España, Estados Unidos, Italia y Francia.

La época para viajar favorita de los foodies y fashionistas españoles es en verano, concretamente de junio a septiembre. Mientras que los amantes de la gastronomía españoles son los únicos que también apuestan por viajar en invierno.

¿Cuál es vuestro destino favorito para el 2018?

Fotos | Pixabay
Vía | Kayak.es
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Si nos ponemos a definir el arte nos saldrían diversas versiones, pero estaríamos de acuerdo en que es una actividad o producto que se realiza con finalidad estética y para comunicar ideas, emociones y demás... Arte es aquello que cuelga en los museos, aquello que vemos en las calles y también la moda, y ahí es donde entra el arte de Manolo Blahnik, que llega a Madrid en forma de exposición este mes de noviembre.

'Manolo Blahnik: el arte del zapato' es la exposición que llega al Museo Nacional de Artes Decorativas en colaboración con Vogue España y que supone una retrospectiva a todas esas décadas de maravillosas creaciones para los pies con las que el diseñador canario lleva deleitándonos a lo largo de su carrera.

La retrospectiva une arte y moda y fusiona perfectamente la belleza de sus creaciones con su funcionalidad, yendo de diseños clásicos a modernos que ha estado creando en sus 45 años de carrera. A partir del 28 de noviembre se podrá disfrutar en el Museo Nacional de Artes Decorativas, después de haber hecho escalas en Milán, San Petersburgo y Praga. La fecha límite es el 8 de marzo de 2018, que se trasladará al Museo Bata Shoe, en la ciudad canadiense de Toronto.

La exposición consta de 212 zapatos y 80 bocetos que han salido de su archivo privado que cuenta con 35.000 diseños únicos desde los años 70 hasta la actualidad. Además, también incluye una muestra fotográfica de los archivos de Condé Nast con imágenes capturadas por fotográfos emblemáticos como Helmut Newton, Arthur Elgort, Irving Penn, Peter Lindbergh, David Bailey o Patrick Demarchelier.

Sus creaciones llenas de fantasía reflejan todas sus influencias geográficas (España, Italia, Rusia , Japón, Inglaterra y África), su pasión por el arte y la arquitectura, su amor por la naturaleza y por la artesanía exquisita son algunas de las obsesiones e inspiraciones de Manolo Blahnik, y que dividen la exposición en seis secciones.

En la parte final de la muestra habrá zapatos inspirados en las personas que han influenciado al diseñador a lo largo de su carrera, y que van desde Anna Piaggi (la editora de Vogue Italia), Brigitte Bardot o Alejandro Magno. Además también habrá parte de la colección Marie Antoinette en la que Blahnik trabajó junto a Milena Canonero para la película de Sofia Coppola.

Imágenes | Manolo Blahnik
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Los expertos de Lonely Planet han elegido sus 'Best in Travel 2018' y en el primer puesto tenemos a una ciudad española: Sevilla. Estos diez destinos serán tendencia el próximo año, por lo que si aún nos has elegido tu próximo viaje no dudes en apostar por algunas de estas ciudades de moda.

Las 10 mejores ciudades a donde viajar en el 2018

Autores, editores, la comunidad de viajeros de Lonely Planet han estudiado durante un año cientos de recomendaciones en busca de los mejores destinos del momento. Estos expertos han dado que las diez mejores ciudades para viajar en el 2018.

1. Sevilla (España)

En el número uno de la ranking tenemos a Sevilla. Según Lonely Planet la ciudad se ha transformado de una manera espectacular en los últimos diez años. Atrás quedan las congestiones de tráfico y la dejadez. En la actualidad, Sevilla es una ciudad llena de de bicicletas y tranvías, y con muchas ganas de revigorizar su pasado artístico. Esta metamorfosis no ha pasado nada desapercibida.

Sevilla acogerá la 31ª edición de los Premios del Cine Europeo en el 2018, gracias a su participación como localización en la serie Juego de Tronos. Además, la ciudad celebra el 400º aniversario del nacimiento de su pintor barroco más famoso Bartolomé Esteban Murillo.

2. Detroit (Estados Unidos)

Detroit ha vuelto a la vida después de años de abandono. La ciudad se ha llenado de jóvenes creativos, artistas y gente con inquietudes que están transformando enormes locales abandonados en galerías de arte, tiendas de bicicletas, restaurantes, bares...

Detroit acaba de inaugurar un nuevo estadio de hockey y baloncesto y el tranvía QLine, que facilita el acceso a los sitios más de moda de la ciudad. Además, próximamente se abrirán nuevos parques que ampliarán la ruta verde de la ciudad.

3. Canberra (Australia)

Canberra es una ciudad pequeña australiana totalmente olvidada, pero que tiene mucho que ofrecer. Esta cuidad alberga diferentes tesoros nacionales, y han surgido nuevos barrios de estilo boutique, llenos de restaurantes y espacios culturales.

La ciudad acogerá el Australian War Memorial, que celebrará el centenario del armisticio de la I Guerra Mundial. Significativamente, Canberra fija un Día de la Reconciliación en su calendario estatal a partir del 2018 para simbolizar su compromiso con la tolerancia entre los australianos indígenas y los no indígenas.

4. Hamburgo (Alemania)

Hamburgo es una de las ciudades más sociables y menos estresantes del mundo, por lo que un es destino muy apetecible. La nueva atracción de la ciudad es la Filarmónica del Elba, con una espectacular arquitectura. La Filarmónica se encuentra situada en la zona histórica del puerto que es ideal para pasear y conocer la vida nocturna de Hamburgo.

5. Kaohsiung (Taiwán)

La nueva atracción de Kaohsiung será un enorme centro de arte y auditorio de 100.000 m2 que se está alzando en el paseo marítimo de la ciudad. Esta zona es el escaparate al mundo de la arquitectura experimental taiwanesa.

Además, se añadirá una terminal de cruceros y una red de trenos ligeros que conectará con el resto de la ciudad. Hacia el norte se encuentra la Zona Recreativa de Xiaogang Shan, donde los viajeros podrán contemplar el strecho de Taiwán desde el nuevo puente ‘Eye of the Mountain’. Kaohsiung es uno de los destinos menos conocidos, pero que pronto se pondrá muy de moda.

6. Amberes (Bélgica)

Amberes, es uno de los secreto mejor guardados de Europa. Esta ciudad está llena de riquezas históricas, arte y diseño en todas sus expresiones. Este 2018 se celebra el evento Antwerp Baroque donde los maestros flamencos se mezclaran con los artistas modernos en una programación que incluye conciertos, arte urbano, desfiles, talleres, espectáculos...

Amberes es una ciudad repleta de vida y actividad. En la zona de los antiguos muelles encontrarás bares pop-up, tiendas de moda, restaurantes healthy y grandes obras de arquitectura.

7. Matera (Italia)

Matera es una ciudad llena de encanto. Sus casas de color miel encaramadas sobre un barranco son realmente pintorescas. Bajo tierra hay un laberinto de casas, monasterios, monumentos e iglesia con más de 9000 años de antigüedad. Matera es una de las ciudades más antiguas del mundo.

La ciudad fue restaurada cuando ya estaba totalmente olvidada. Actualmente hay hoteles, bares y restaurantes llenos de encanto. Matera será Capital Europea de la Cultura, lástima que sea en el año 2019, aún así no deberías dejar de visitar esta ciudad italiana.

8. San Juan (Puerto Rico)

San Juan en Puerto Rico es una ciudad que se hace notar gracias a la mezcla de lo antiguo y lo nuevo. El pasado colonial se mezcla perfectamente con la urbanidad moderna. El Viajo San Juan es un bonito enclave amurallado lleno de calles de adoquines, plazas frondosas, fuertes e iglesias.

San Juan está envuelto en murales, también hay galerías y museos de arte muy interesantes. Por supuesto, la ciudad tiene una gran variedad de restaurantes gourmet. Por la noche podrás disfrutar de sus discotecas, bares y casinos. Para descansar y tomar el sol tienes sus paradisíacas playas.

En septiembre de 2017, el huracán María pasó por la isla, destruyendo algunas zonas, pero no dudamos que se reconstruirán en breve.

9. Guanajuato (México)

La pequeña ciudad de Guanajuato, en las las tierras altas centrales de México, es un destino perfecto por su enorme atractivo. Esta zona de minas ha ganado mucha riqueza generada por los filones de plata locales. Estos filones han ayudado a crear un impresionante paisaje urbano de iglesias ornamentadas, bellas plazas y casas coloridas.

La ciudad se alza en un verde valle lleno de belleza natural y artificial. Este paisaje llamó la atención de los productores de Pixar, que se inspiraron en la ciudad para crear el país de los muertos en su nueva película Coco.

10. Oslo (Noruega)

Oslo, la capital de Noruega, se ha visto durante muchos años eclipsada por sus vecinos escandinavos. Esto cambiará en el 2018 gracias a que los reyes de Noruega conmemoran sus bodas de oro.

Este acontecimiento traerá consigo un montón de actividades, eventos civiles, culturales, culinarios... Además, en el 2018 se cumplen 10 años de la emblemática Ópera de Oslo, y habrá una temporada repleta de conciertos y actuaciones; por lo tanto no hay mejor año para visitar Oslo.

Fotos | Pixabay
Vía | Lonely Planet
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Seguimos repasando más manías, rituales, modas y supersticiones, después de la primera entrega de este artículo, donde analizábamos los diferentes números de la fortuna y del infortunio.

Ahora vamos a centrarnos en rituales de comida, dando especial relevancia a los más actuales.

Kit Kat

En Japón, por una casualidad fonética, las chocolatinas Kit Kat se han convertido en talismanes. Y es que la palabra “Kit Kat” se parece mucho a la palabra “Kitto-Katsu”, expresión que se traduce aproximadamente como “ganar sin falta”. Eso ha provocado, por ejemplo, que los estudiantes se tomen un Kit Kat antes de enfrentarse a un examen, con la esperanza de obtener mejores puntuaciones.

Galletas Oreo

Si dependiendo de la cultura se comen unas u otras cosas, también dependiendo de la cultura se comen de una forma u otra. Por ejemplo, el caso más contemporáneo es el de las galletas Oreo: hay quienes prefieren abrir la galleta por la mitad, chupar la crema blanca del centro y después comerse las dos mitades de galleta.

Pero en Estados Unidos ha cuajado tanto la costumbre de mojar la galleta entera en un vaso de leche fría que la empresa fabricante estableció una alianza con Got milk? (¿Tiene leche?). Mike Faherty, director principal de negocios, lo tiene claro: “Las Oreo no son simplemente galletas, son un ritual. Mojas las galletas Oreo en leche es parte del tejido social estadounidense.”

Bacardi con Coca-Cola

El cubalibre parece un producto en sí mismo: Bacadi con Coca-Cola más una rodaja de limón. Esta combinación nació en 1898 durante la guerra entre España y Estados Unidos, cuando los soldados estadounidenses estaban apostados en Cuba. La unión entre estos productos es tan fuerte que para la compañía supone un problema, tal y como explica Martin Lindstrom en su libro Buyolgy:

La isla era en esa época el hogar del ron Bacardi y, cuando los militares estadounidenses llegaron con la Coca-Cola, se creó la unión perdurable de los dos sabores. Sin embargo, en la actualidad la marca Bacardi está atrapada. Prefería que sus clientes se sintieran libres de mezclar el ron con otras bebidas, pero el ritual del ron con Coca-Cola ha demostrado ser muy difícil de romper.

Sidra Magners

En Reino Unido, la sidra Magners es todo un fenómeno social. Su auge se produjo de repente, sin que la marca tuviera que lanzar ninguna campaña especial. Al parecer, la epidemia se propagó desde el condado de Tippary, en Irlanda.

Allí no se disponía de frigoríficos para enfriar la sidra, de modo que los clientes debían pedirla siempre acompañada de hielo. Al enfriar la sidra de este modo, se corta un poco el dulce y se mejora el sabor.

Desde entonces, los camareros adoptaron esta costumbre de servir la bebida con mucho hielo, y el ritual caló en las mentes de los consumidores. De hecho, muchos se refieren a Magners directamente como Magners con hielo. Algo parecido a lo que ya ocurre con Coca-Cola, que se sirve con hielo y una rodaja de limón, pero de forma más localizada.

Coronita

Otro ritual ya unido para siempre a una bebida alcohólica es el de la cerveza Coronita con un pedazo de limón insertado en el gollete. Os podría contar que esta costumbre procede de los antiguos habitantes de Mesoamérica, y que su propósito era combatir los gérmenes, puesto que la acidez del limón destruye cualquier bacteria que pueda haber formado colonias sobre la botella durante el embalaje y el transporte.

Pero la realidad es mucho más banal, tal y como explica Lindstrom:

Se dice que el ritual de la Coronita con limón se remonta a 1981 cuando, como resultado de una apuesta con un amigo, un camarero de un restaurante anónimo introdujo una rodaja de limón en el cuello de una Coronita para ver si lograba que otros clientes hicieran lo mismo.

Dejamos de momento las tradiciones con las comidas, y en la próxima entrega de esta serie de artículos sobre manías, supersticiones y modas, nos centraremos en otros aspectos de la poliédrica cultura humana.

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